Образовать искусство: какой должна быть система художественного обучения
В рамках проекта Comfy Art Prize Platfor.ma решила выяснить, каким есть и каким должно быть образование в сфере искусства. Для этого мы поговорили об этом со студенткой одной из самых известных кураторских программ Европы – голландской De Appel, британским преподавателем в сфере дизайна, украинским преподавателем, а также выпускником нью-йоркского Sotheby’s Institute of Art и арт-финансистом, работающим в трех странах.
Художественное образование нисколько не утратило смысла, как и любое другое. Даже Йозеф Бойс, который укоренил знаменитую формулу «каждый человек – художник», был профессором Дюссельдорфсокй академии и очень дорожил своим правом учить людей тому, как с его точки зрения, нужно создавать искусство.
Речь идет об адекватности образования требованиям современности. Украинское академическое художественное образование невероятно консервативно. Большинство профессоров наших, все еще очень советских, академий не знают и агрессивно не хотят знать и понимать того, что произошло с искусством в ХХ веке.
Если переложить это на область, скажем, медицины, то это были бы доктора, которые считают, что современная медицина пошла по ложному пути, а потому настойчиво учат своих студентов лечить все болезни кровопусканием и табачными клизмами. Звучит абсурдно, но ничего не меняется, поскольку у нас до сих пор и академики, и министры, и домохозяйки удивительно единодушны во мнении, что художник – это тот, кто умеет рисовать, точка.
Хотя быть художником сегодня (как впрочем и во все предшествующие столетия) значит иметь очень хорошее современное гуманитарное образование, определенный способ мышления и отношения к действительности, а также умение выразить это отношение в художественной форме.
Для последнего пункта, конечно, неплохо было бы уметь рисовать. Хотя можно и фотографировать, снимать видео или кино, танцевать, работать со светом, звуком или любыми другими средствами выразительности – чего студентам-художникам в наших реалиях не только не предлагают, но и запрещают делать. Но самое трагичное, что в нашем образовании напрочь отсутствуют первые две позиции – хорошее гуманитарное образование и критическое мышление. А это значит, что даже при условии, что художник умеет держать в руках кисть или карандаш (что также далеко не гарантировано), ему совершенно нечего сказать аудитории, которая зачастую оказывается гораздо образованнее его.
Я думаю, что к реформе художественного образования очень важно подойти с холодной головой. Сперва осознать все положительные стороны нашей консервативной системы, которых не так уж мало, и постараться сохранить их. При этом жизненно необходимо существенно расширить академическую программу за счет новых практических курсов и различных гуманитарных дисциплин.
Но есть еще один очень важный аспект, который часто ускользает. Художественное образование – в гораздо большей степени, чем любое другое – всецело держится на личности преподавателя. Мне бы хотелось, чтобы в украинских академиях появилось больше личностей, которые, с одной стороны, умеют и хотят преподавать, а с другой – имеют отношение к реальному художественному процессу.
Бася Сзкутника, международный преподаватель в сфере дизайна, консультант (Великобритания):
Есть фундаментальные проблемы образования в сфере моды во всем мире, не только в Украине. Дизайн часто преподают профессоры, у которых нет опыта работы в отрасли – их знания неглубоки и недостаточно обширны, чтобы направлять своих студентов. Я никогда не нанимаю человека без опыта работы в индустрии. Мне кажется, это очень важно. Дизайну нельзя научить только из учебников – сейчас индустрия меняется слишком быстро. Мой девиз: «Научи моде такой, какая она есть».
К примеру, если мы говорим об образовании в сфере дизайна одежды, крайне важно научить студента основным навыкам: конструированию одежды, генерации идей, разработке дизайна и самого продукта, бизнес-планированию, финансовому управлению, брендингу, PR-у и продажам. Часто студентам преподают только дизайн, конструирование или и того меньше. Им повезло, если их научат, как производить технические чертежи конструкций, но часто они покидают колледж с отсутствием навыков рисования и черчения.
Бизнес нужно преподавать бок о бок с дизайном. Представьте, студент вышел в большой злой мир с маленькой идеей или же вообще без нее. И как только он вышел из колледжа, поддержка заканчивается, а на самом деле это то самое время, когда она нужна больше всего. Это причина, по которой многие дизайнеры терпят неудачу, когда покидают образовательные центры и пытаются создать бизнес. Они не имеют ни малейшего представления о том, как продать на рынок свой продукт и застряют. Они питают фантазии о работе в гламурной индустрии и удивляются жесткой реальности. Чобы начать свою собственную линию, дизайнеры должны иметь представление о ключевых элементах финансового планирования и управления.
Дизайнеры зачастую учатся основам творчества, но совсем не имеют представления о своих потребителях и о том, как правильно создавать бренд на продажу.
Я принимала участие в поддержке украинских дизайнеров в течение нескольких лет и была более чем впечатлена их трудовой этикой и преданностью делу. Им хватает творческих идей, однако не по их вине часто не хватает деловой хватки и более глубокого понимания своей целевой аудитории. В Украине происходит что-то абсолютно особенное в дизайне. Ваши молодые люди умны, креативны и чрезвычайно усердно работают. Они жаждут знаний и развития – как только они получат должную менторскую поддержку, кто знает, какие чудеса могут произойти. Я могу только вообразить яркое будущее для вашей очаровательной страны.
Я бы разделил образование в сфере искусства на три составляющие: обучение ремеслу – художников, скульпторов, графиков; обучение профессиональным дисциплинам в искусстве – искусствоведов, кураторов, художественных критиков и арт-финансистов; и культурное воспитание – образование людей, для которых создаются предметы искусства, организовываются выставки, издаются альбомы и монографии. К каждому сегменту в мировой практике имеется свой подход, который обязан быть перенят в Украине.
В образование художника включена такая дисциплина, как Self-Promotion, позволяющая адаптироваться к рынку еще в момент обучения: как грамотно создавать портфолио, вебсайт, общаться с галереями, коллекционерами, на какие тенденции обращать внимание, стремясь к профессиональному росту. Искусствоведов и кураторов в обязательном порядке отправляют на летние стажировки в крупные музеи, как MoMA и Tate Modern – они на собственном примере понимают ценность смотрителей или билетных контролеров: впоследствии они никогда не придут в музей, положив ногу на ногу и заявив: «Я – куратор, остальным – стоять смирно». Мировые вузы также имеют практику приглашения на мастер-классы специалистов из сфер, не связанных с искусством, но в общении с которыми могут открыться неожиданные пересечения. На моей практике было такое, что приглашенный на музейный форум Глава футбольного союза Франции сразу же получил предложение от Лувра о сотрудничестве, а его рассказы о фандрайзинге дали толчок к внедрению похожих схем рядом европейских музеев.
Что касается воспитания класса любителей искусства, то на Западе эта проблема стоит менее остро, чем в Украине: есть сформировавшийся класс коллекционеров и art appreciators, у которых «режим самообразования» в крови: без него не обойтись, сколько дипломов в статусе Facebook ни ставь. В свое время (в 50-х годах прошлого века) созданием подобного класса озаботились музейные институции и аукционные дома – Guggenheim первым открыл бесплатные просветительские курсы, Sotheby's и Christie's чуть позже создали систему платного образования – от нескольких месяцев до трех лет. Одни продают билеты, другие – предметы искусства, но это начинание позволило воспитать вкус нескольких поколений. В Украине, к сожалению, образовательным проектам в сфере искусства уделяют внимание, в основном, некоммерческие просветительские структуры, а следовало бы подключиться аукционным домам и крупным галереям. О том, что подобные курсы станут востребованными, говорит переключение интереса нашей «золотой молодежи» с Оксфордов, Кембриджей и Гарвардов на Сотбис, Кристис и Сан-Мартинс. Это логично: профессиональное арт-образование дает больше шансов на трудоустройство, ввиду эксклюзивности профессии и востребованности рынком, чем экономическое или юридическое. Очередь за тем, чтобы подобного качества знания с международным дипломом выдавались в Украине. А это – международные педагоги, обмен студентами и связи, связи, связи…
В последние годы в Украине появилось несколько качественных по контенту программ арт-образования. Это «Культурный проект» Натальи Жеваго, серия лекций куратора Ольги Балашовой, Катя Тейлор и Art Management создали в 2016 году целых два проекта – «Искусство ХХ и ХХI века» для молодых коллекционеров и серию лекций об искусстве в рамках Comfy Art Prize. Для детей в Новопечерской школе открылось направление «Арт-Освiта» от Releaze Education, также «Мыстецький Арсенал» заявил о запуске образовательной программы по искусству начиная с лета 2016 года.
Однако, еще раз подчеркну: для востребованности в профессиональной среде за рубежом сегодняшним украинским инициативам не хватает статуса учебных заведений и диплома международного образца. А для того, чтобы определиться, связать ли жизнь с искусством – этих программ, считаю, достаточно.
Катерина Филюк, директор Dymchuk Gallery, участница кураторской программы арт-центра De Appel в Амстердаме::
Работая с международными художниками и кураторами во время Первой Киевской биеннале я поняла, что мне хочется больше знаний и международных контактов. Сразу после окончания проекта я подалась на короткий кураторский курс, который организовывает биеннале в Кванджу – самая старая в Азии. Этот курс проводится с 2009 года. После невероятно интенсивного месяца в Южной Корее желание получить международный опыт и углубить свои знания только укрепилось.
Один из преподавателей курса посоветовал мне кураторскую программу в De Appel. Это одна из самых старых кураторских программ в Европе, она существует около 20 лет и основана на принципе learning by doing. Программу организовал арт-центр, который был пионером в сфере перфоманса и видео-арта. В основном она ориентирована на нетворкинг, решение практических задач и интересна людям с определенным опытом. Сейчас в программе шесть участников. В течение года мы вместе работаем над проектом, посещаем музеи, галереи, мастерские художников. За это время мы посетили биеннале в Стамбуле, Лионе, конференции в Копенгагене и Арле, ездили в двухнедельную научную командировку в Мексику.
Вторая часть – работа над совместным проектом. Кстати, он откроется через две недели. Проект не ограничен форматом, так что это может быть выставка, радиошоу или фестиваль. Он включен в бюджет институции. Хоть деньги выделяют по европейским меркам небольшие, но этого достаточно для полноценной работы.
Мы решили сделать выставку, которая будет сопровождаться обширной публичной программой. Фокус будет на перформативные действия, которые не укладываются в статичную форму выставки, – множество воркшопов, лекций, перформансов. В каком-то смысле, публичная программа даже важнее самой выставки.
Чтобы создать качественную учебную программу в сфере искусства, стоит сперва сделать обзор международных наработок и тенденций. Не нужно изобретать велосипед. Конечно, международный опыт необходимо адаптировать к локальному контексту. В этом смысле мне интересен опыт SOMА в Мексике. Это академия для художников с двухгодичной программой, которая была создана мексиканскими художниками старшего поколения. Многие из них учились и стали известными за рубежом, а когда вернулись на родину, решили, что нужно что-то менять в локальном контексте, оживлять местную сцену. Они привезли самые интересные наработки домой, нашли энтузиастов и единомышленников, которые поддержали инициативу. Это очень успешный опыт, который может быть интересен для Украины, потому что некоторые ключевые параметры Мексики и Украины схожи. Как и у нас у них по-прежнему доминирует консервативное образование и нет государственной поддержки.
