25 лютого 2016

Нарисовались такие: как и почему писали великие художники прошлого. Часть II

Несколько недель назад мы уже писали о том, как важно современному культурному человеку если не разбираться в живописи, то хотя бы уметь притворяться, что он это делает. Тогда журналистка Анна Попова выясняла все о Тициане, Караваджо, Рубенсе, Дега, Ван Гоге, Брейгелях и Эль Греко. Сегодня она рассказывает интересные детали о творчестве семи других великих художников: от импрессионистов до звезд эпохи рококо.

 

Моне и Мане

Чтобы сильно не отчаиваться, когда путаете Клода Моне и Эдуарда Мане, знайте, что в них часто путались даже современники. Во-первых, они были дружны, часто встречались, оба носили бороды и одинаково вальяжно гуляли по Парижу. И, во-вторых, их объединяет одно важное в искусстве слово – импрессионизм. Правда, тут их сходство в основном и заканчивается.

 

Самое простое определение их различия звучит коротко: «Моне – пятна, Мане – люди».  Клод Моне, который был младше Мане, часто советовался с более опытным товарищем и даже был под некоторым влиянием наставника. Соответственно, Мане – это именно тот, кого гордо называют «истоком импрессионизма». Хотя у этого самого импрессионизма было столько истоков – еще задолго до того, как он решил появиться – что считать Мане единственным родоначальником не совсем правильно. Так, например, собственно слово «импрессионизм» как название группы художников и целого художественного направления появилось от знаменитого пейзажа «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression, soleil levant»), который написал все же Клод Моне.

 

«Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне 1872

Здесь легко наловчиться так: Мане был старше, и его полотна совсем немного, но все же ближе к реализму, а также чуть менее «пятнисты», чем работы Моне. В них еще не до конца проявляется импрессионистическая размытость, а очертания, формы, предметы и люди имеют заметные и четкие контуры. Можно назвать это так: Мане хотел одновременно отойти от классической школы, рисуя в новой манере, но сохранял почтение к традициям. Почему? Первое, что повлияло на стиль Мане (да и многих других импрессионистов) – японская гравюра и некоторые принципы ее композиции. А второе – это технологии. Технологии и искусство – особая тема для разговора: они всегда идут рука об руку, иногда по очереди подталкивая друг друга. Но самое важное, что повлияло на импрессионизм как таковой – это изобретение фотографии.

 

«Олимпия», Эдуард Мане, 1863

Так что если вы пришли в зал импрессионистов, стоите перед полотном и видите яркие и четкие цвета, насыщенный контур, но при этом капельку сохранившегося реализма – это Мане. Или вот простейшее мнемоническое правило: буква «А» – первая в алфавите, идет раньше других, как и Мане через «а» идет в импрессионизме раньше большинства других. Даже раньше Моне, на полотнах которого все более размыто.

 

Жертва моды Ян Ван Эйк

Это тот самый художник, у которого что мужчины, что женщины похожи на Владимира Путина. Почему же их всех так массово угораздило?

 

Портрет Яна де Леув, 1436

Начнем разбираться по порядку. И сразу запутаемся, потому что Ван Эйк был не один, а с братом – Хубертом или Губертом – старшим, менее известным, и младшим – Яном. Тут многие сбиваются с толку, потому что сведений о старшем брате настолько мало, что даже задумались о том, что его на самом деле и не существовало, а Ян Ван Эйк просто выдумал себе родственника. История эта темная, но бельгийцы вышли из неразберихи красиво и гордо – поставили один памятник сразу обоим – и Губерту и Яну Ван Эйкам, где они сидят на троне из бронзы и грозно смотрят на прохожих.

 

В большинстве своём полотна Яна Ван Эйка – это портреты. Связано это с тем, что он был придворным художником герцога Филиппа Бургундского Доброго. А такая работа – все равно что личный фотограф. Нужно было писать не только самого Филипа, но еще и его жену, детей (которых в общем количестве было 17!), тещу и прочих родственников до пятого колена.

 

Для живописи ван Эйка характерна удивительная детализация. Такой ювелирной работы удавалось добиться не многим. А все потому, что он много экспериментировал с масляными красками, смешивая их с сиккативами (специальными веществами, такими как барий, свинец, кальций, масло орехов, которые используют для быстрого высыхания красок). Масло на полотнах быстро высыхало, что позволяло создавать следующий слой четче, совершенствуя детали и получая так называемый «внутренний свет».

 

А теперь о самом интересном: внешность героев его портретов. Все дело в моде. В определенный момент бурного Средневековья всем неожиданно понравилась довольно странная прическа – выбритый лоб. К слову, Мону Лизу тоже слегка застала это чудная мода. Вместе с волосами на лбу прощались также с ресницами и бровями. Обязательные атрибуты: длинная шея, круглое лицо, на которое не принято было наносить ничего, кроме свинцовой пудры.

 

«Мадонна каноника ван дер Пале», 1436

Следующий элемент общей схожести – раскосые глаза. Посмотрите внимательно на работы Средневековья – не заблуждайтесь, что это от смешанных браков с азиатскими народами. Просто заплывшие глаза и одутловатый овал лица создавали нужный эффект раскосых глаз, а происходило это от того, что болезни и отеки на лицах провоцировались намеренно и очень изощренными способами. Похожие лица можно наблюдать и сегодня – у людей, которых покусали пчелы и случилась аллергия. Что сказать, в этом случае красота – действительно страшная сила. Но мода – весьма капризная и изменчивая штука, и теперь мы стараемся поскорее избавиться от любых отеков, припухлостей и заплывших глаз – в отличие от наших средневековых предков и некоторых современных политиков.

 

Психолог Рембрандт

Если вам понадобится поспорить-подумать-рассказать-поумничать об этом мастере, запомните главное: Рембрандт (тут можно высоко поднять указательный палец) – художник, сумевший оживить весь сложный спектр человеческих эмоций и переживаний, как до этого не удавалось никому. Его портреты – это не только невероятная техника, но еще и сеанс психоанализа. Художник стремился не просто нарисовать красивую «фотографию», но и найти душу, зацепить что-то особенное и очень личное.

 

Возможно, умение видеть и понимать людей появилось у него после пережитых жизненных неурядиц: он женился на Саскии, девушке, которая происходила из богатой семьи, и это был брак по расчету – так говорили злые языки. А добрые утверждали совсем другое – что он был вполне счастлив с женой, которая была ему музой и любимой натурщицей. Но Саския умерла и оставила коварное завещание: в случае повторного брака Рембрандта с другой женщиной он и его сын теряли все деньги. Поэтому его новая модель и любовница Герьте Диркс, которую он никак не мог взять в жены, подала на него в суд за то, что «обещать еще не значит жениться». «Значит», – подумал суд, и Рембрандт чуть не остался в одних штанах. Как видите, его изрядно мучали женщины, и тут волей-неволей научишься разбираться в людях.

 

Портрет синдиков цеха сукноделов, 1662

Второе, что отличает Рембрандта от остальных – светотень. Кажется, что персонажи на его картинах словно вышли на театральные подмостки из тени, и на них неожиданно упал луч рампы. Свет на картине словно движется – вспыхивает посередине и угасает к углам на фоне.

 

Скульптурный Микеланджело

Микеланджело Буонарроти – один из самых одаренных людей в истории человечества. Художник, скульптор, архитектор, поэт, чтец и на дуде игрец. И для нас, простых смертных, есть одна маленькая хитрость, которая поможет определить его работы как художника. Эта маленькая хитрость – огромный потолок Сикстинской капеллы, главного произведения мастера. Если вы попали в Ватикан, стоите в Сикстинской капелле и смотрите вверх прямо перед собой – не сомневайтесь, вы смотрите на Микеланджело. Над капеллой он трудился очень быстро и усердно, закончив ее за 4 года. Это был его настоящий вызов себе самому, писать фрески приходилось то стоя по много часов с запрокинутой головой, то лежа на специальной конструкции, где-то рисовать пальцем, где-то через специальную сетку – в общем, не работа мечты.

 

Фотографія: Сотворение Адама, 1508–1512

Как отличить Микеланджело от других художников? Один из самых надежных способов – говорить, что это не Микеланджело. Дело в том, что по большей части он создавал скульптуры, а живописных полотен от него осталось всего несколько штук, которые в основном хранятся в Лондоне и Флоренции. В остальных городах шансы на живопись Микеланджело невелики. А вот с его графиками и эскизами сложнее – их довольно много. Небольшой подсказкой может служить то, что, как настоящий скульптор, Микеланджело любил людей мускулистых, так что писал он тоже персонажей атлетического телосложения.

 

Сахарные Буше и Ватто

Буше и Ватто – главные представители времени Купидона и Венеры, как во Франции называли рококо – довольно странную эпоху бегства от реальности. Главная живописная концепция тех лет заключалась в том, что ну ее, эту серую реальность, буду я лучше нежной пастушкой, бегущей по золотистому полю, и пусть за мной летит пара голеньких ангелочков.

 

Антуан Ватто – один из первых приверженцев стиля рококо, поэтому в его картинах все еще остался отголосок реализма. На полотнах этого мастера все еще не так все сладко и приторно, и облака похожи на облака, а не на летящий по небу зефир.  Зато уже появляются намеки на «галантную живопись» – любовные сцены, томные девушки, голые богини.

  • «Урок любви», Антуан Ватто, ок. 1716
    «Урок любви», Антуан Ватто, ок. 1716
  • «Одалиска», Буше Франсуа, 1745
    «Одалиска», Буше Франсуа, 1745

Что на первый взгляд отличает Ватто от Франсуа Буше? – У первого очень много событий, происходящих на фоне пейзажа, в то время как Буше писал больше портреты (например, Мадам Помпадур), а также более интимные сцены, где барышни почти лежат и только слегка одеты – словно в сахарную вату. Буше более романтизирован – на его картинах летают ангелы с красными щечками, богини играют на арфах и все раздеты и настроены так сладостно, что диабетикам лучше быть с этой живописью поосторожней.


comments powered by Disqus